Festival Tres Sesenta - viernes 8

(19:00h) Wilhelm and the dancing animals: Helen Agreda, Guillermo Fernández (batería de Antigua y Barbuda) y los cuatro animales danzantes (Iñigo, Have, Josh y Kiko) hacen una mezcla de folk, rock y acústica al estilo escandinavo más optimista. Se presentaron con el EP "The forest has no name" y fueron mejor demo de 2011 para Zarata Mondosonoro. En primavera han publicado su primer disco "The war of the species" editado por Origami Records y con el sello de los Estudios Montreal de Hans Krüger.

Ellos también pasaron por el estudio para dedicarnos entrevista y acústico

(20:00h) Dinero: Los más difíciles de googlear del panorama musical patrio. Con "Dinero" (Tricornio Producciones, 2009) su primer disco, se embarcaron en una larga gira con la que se han ganado subir en puntos de tipografía en los carteles de los festivales y ascender a los escenarios principales. Rubén, Sean y Ekain tienen preparado segundo disco "Año Perro", publicado el pasado mes de mayo, y que han presentado con "Orión", de descarga gratuita en su web. Parece que la potencia y el ruido que conocíamos hasta ahora dejan paso a la madurez y el detalle. Veremos.

(20:45h) Capsula: La banda más internacional de las que pisaran el escenario de la Ciudadela y no solo por origen. También de los más longevos porque los argentinos afincados en Bilbao, en activo desde 1997, acreditan ocho discos, el último "In the land of silver souls" (BCore Disc) editado en 2011 con el que han renovado su marchamo garage rock que recuerda a unos Stooges cruzados con la Velvet Underground. Para recientes descubridores, sus tres primeros trabajos "Sublime" (1999), "Yudoka" (2000), y "Capsula" (2002) se reeditarán este mes de mayo remezclados y remasterizados en vinilo y CD con nuevos diseños.

(21:30h) We Are Standard: Una confirmación de esas que mueven masas (evidentemente este festival tiene dos más) por un directo rítmico y potente, de los bailar al ritmo de guitarras enervadas y cerrar la jornada sudando (aunque en Pamplona no sea el caso). Lo que bailaremos esa noche será su último EP "Great State" (Mushroom Pillow, 2012), consecuencia de lo aprendido con  el productor Andy Gill durante la grabación de su anterior disco. Aunque lo aprendido parece más bien desaprendido porque abandonan los sonidos más complejos y electrónicos que les conocíamos para adentrarse en el pop más clásico de finales de los 80, e incluso el britpop. Pero funciona tan bien que este puede ser la consagración definitiva, y muchos medios ingleses ya lo han advertido.

(22:45h) Supersubmarina: Primer grupo del festival que camina entre la radiofórmula y lo independiente, lo que les sitúa al borde del odio del mundo alternativo. Llegarán al festival como muchos, con el disco recién salido del horno (se publicó el 22 de mayo) que se titulará "Santacruz" (Sony, 2012). En concreto saldrá de la cocina de Tony Doogan, productor de Belle&Sebastian, Mogwai, y en lo patrio, Russian Red (en "Fuerteventura"). Con esta última además de productor comparten sello, estrategia de marketing, y detractores. Por ahora han estrenado el single "En mis venas" con vídeo incluido, con el que fueron número 1 en iTunes instantáneo.

(00:00h) Love of Lesbian: Durante 2010 se olvidaron del dicho que sabiamente advierte de que lo poco agrada y lo mucho aburre. Giraron hasta la saciedad con "1999", dieron  un número de conciertos que tiende al infinito, y por fin se retiraron a componer nuevo disco. Este impass acaba de terminar con la publicación el pasado día 22 de mayo de "La noche eterna. Los días no vividos" (Warner, 2012), un disco sobre "pequeñas historias que transcurren entre el ocaso y la madrugada", como ellos mismos dicen y justo como su concierto en Pamplona. Hacemos recopilación de los siete temas del nuevo trabajo que salieron por adelantado: "Los seres únicos", "El hambre invisible", "Wio", "Los días no vividos", "Nadie por las calles", "Si tu me dices Ben, yo digo Affleck", y "Oniria e insomnia".

(mañana los grupos del sábado 9)


...y recuerda que puedes seguir el Primavera Sound en  @rayuelamusical

Festival Tres Sesenta - Jueves 7

Aunque gran parte de nuestra atención esté puesta ahora mismo en el Primavera Sound (lo puedes comprobar si nos sigues en @rayuelamusical), no sólo de grandes festivales vive Rayuela, ni se contenta. La semana pasada hicimos un recorrido histórico por momentos cumbre de festivales y nos dejamos fuera el que nos quedaba más cerca, pero lo avisamos: tendría una hora para él solo. Convencidos que estamos de que también dará momentos gloriosos, el próximo lunes haremos un especial sobre el  Tres Sesenta Festival (7-9 de junio) . Hasta entonces nos vamos a dedicar a destripar su cartel analizando las tres jornadas con lista de spotify de los temas que debes conocer. 


Empezaremos por el día de presentación del festival y el más tranquilo. 

(20:30h) Joe la Reina: Donostiarras viviendo en Pamplona con base de operaciones en Tudanca de donde han fraguado un sonido  acústico y emotivo recuperado del folk de los setenta. Su reciente historia como grupo va asociada a las despedidas de Miren Iza (Tulsa) y Sexy Sadie. Han sido segunda mejor demo de 2011 para Zarata Mondosonoro. Poco antes del festival, el 22 de mayo, han publicado su primer EP "Change of Mask", editado por Subterfuge y bajo la producción de Brian Hunt. Será un pequeño adelanto de su esperado primer disco que está prometido para esta primavera. 
Escucha aquí la entrevista + acústico que les hicimos en Rayuela

(21:30h) Muy Fellini: Edu Ugarte y Juan Maravi dejaron a un lado, y después atrás, sus otros grupos (Half Foot Outside y Sök respectivamente) para explorar juntos un camino lleno de folk rock melancólico. En 2011 publicaron su segundo disco "La ciudad de las palmeras" por si a alguien le quedaba duda de que podían hacer canciones redondas. Acaban de aliarse, echando la vista atrás, con el también ex-Half Foot Outside Brian Hunt para la publicación de un split en vinilo 7" que forma parte de la serie Strarrs on 45" del sello Limbo Starr.

Lee y escucha la entrevista que le hicimos a Edu Ugarte en la presentación de "La ciudad de las palmeras"

(22:30h) El Columpio Asesino: Son el perfecto ejemplo de cómo una canción puede hacer más que tres grandísimos discos. Su cuarto, "Diamantes" (Mushroom Pillow, 2011), ha sido el golpe definitivo para imponerse en casi todos los carteles festivaleros de este año, y "Toro" esa canción con estribillo perfecto por la que ahora son conocidos para muchos. Esta fama se la han ganado a pulso con una nueva orientación de su sonido, más concreto y luminoso. Un Columpio más sencillo pensado para todos los públicos. 

Entrevista a Álbaro Arizaleta (voz, bateria) sobre "Diamantes" para leer y oir

(mañana los grupos del sábado 8)


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Rayuela en el Primavera Sound 2012

Hoy parte del equipo rayuelístico viaja a Barcelona para asistir al San Miguel Primavera Sound. Tal y como hicimos el año pasado con el FIB, vamos a intentar contar a través de Twitter todo lo que veamos y oigamos en los escenarios y alrededores. Todo lo que nos permita la batería y la cobertura 3G. 

Si aún no nos seguís en Twitter, dadnos un follow en @rayuelamusical porque de aquí al domingo habrá actividad.

Capítulo 48: Festivales

A estas alturas de año y primavera, casi verano, es habitual en medios, blogs y demás opciones relacionadas con la música el dedicar un especial a los festivales de la temporada. Como eso es más que fácil de encontrar en Rayuela hemos querido darle la vuelta y repasar los festivales de todos los tiempos. Sí es cierto que el comienzo del San Miguel Primavera Sound este jueves nos ha servido de excusa e inspiración para ello, pero nos hemos extralimitado. Este capítulo lo hemos dedicado a los momentos cumbre de festivales de otras épocas y de esta, esos conciertos en los que nos hubiera gustado estar para poder relatarlos hoy en persona.

Nuestra selección de momentos cumbre de la historia festivalera:

::The Who - I Can't Explain (Woodstock, 1969)

::Arcade Fire - Wake Up (Coachella, 2011)

::Shout Out Louds - Impossible (Summecase, 2008)

::Yo la tengo - Autumn Sweater (FIB, 1998)

::Jimi Hendrix - Wild Thing (Monterey Pop Festival, 1967)
::Bob Dylan - Like a Rolling Stone (Newport Folk Festival, 1965)

::Radiohead - No Surprises (Bilbao BBK Live, 2012)

::The Smiths - Hand in Glove (Glastonbury, 1984)

::Pulp - Common People (Glastonbury, 1995)

La sección de Iñaki Llarena sobre el Montreux Jazz Festival (Suiza):

::Melanie - Nickel Song (Live at Montreux, 1973)
::Mongo Santamaria – Pajaro Cantor  (Montreux Heat, 2003)
::Deep Purple – Smoke On The Water - (Made in Japan, 1998)
::Bonni Raitt - Runaway 

Nos quejamos de las mezclas en los festivales tradicionalmente adscritos a un estilo y no conocemos ni la mitad. Imaginate un festival en el que Pitbull comparta cartel con Hugh Laurie, y con Erykah Badu, Paco de Lucía, Van Morrison, Lana del Rey, y más. Y ahora imagínate que no tienes por qué pagar por todos una barbaridad porque pagas por los que quieras ver. Pues eso, no sabemos ni la mitad. Si te tienta demasiado aún estás a tiempo, del 29 de junio al 14 de julio tienes que estar en Montreux, Suiza, para vivirlo.   

El podcast de Rayuela #48

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Entrevista a Templeton

Hacer las cosas bien lleva su tiempo, a Templeton les ha llevado exactamente tres años. Es el tiempo que han necesitado para componer El Murmullo y crecer enormemente. Exposición Universal estaba bien, tenía un buen sonido y no aportaba mucho más pero escucharlo era un placer, sin embargo El Murmullo es otro cantar, y nunca mejor dicho. Lo han grabado con Paco Loco en sus estudios del Puerto de Santa María pero no han dejado muy lejos a quien les grabó ese primer trabajo, Hans Krüger. 

Este viernes 25 lo presentarán en Pamplona en el bar Singular y, como siempre, con esa excusa hemos hablado con Santi Castillo, guitarrista de la banda. 

Han pasado 3 años desde la publicación de Exposición Universal, ¿por qué tanto? ¿por qué 2012? ¿Hicisteis caso al calendario Maya y pensasteis que ahora o nunca?

No tiene que ver con los calendarios mayas, ha sido el tiempo que ha hecho falta para sacarlo bien. No teníamos ninguna prisa y la única premisa ha sido que estuviéramos todos agusto. El otro disco lo sacamos en 2009, estuvimos prácticamente un año y medio mostrándolo, y después ha sido el tiempo que hemos tardado en componer y grabar. Sí que es cierto que si hubiéramos ido con una discográfica los trámites habrían sido mucho más rápidos, pero al ser un disco autoeditado y ser nuestra primera vez, hemos tardado algo más porque supone mucho papeleo en el que nosotros éramos novatos.

Esa era una pregunta que tenía preparada para un poco más adelante por no entrar en temas complicados demasiado pronto, pero ya que lo has nombrado, ¿a qué se ha debido el paso de Subterfuge a la autoedición?

No te preocupes porque no es un tema feo. Es un tema de lo que quieres como grupo. Llega un punto en el que habíamos perdido la fe en lo que nos podía ofrecer Subterfuge y ellos había perdido también la fe en lo que podían obtener de Templeton. Les pedimos que nos diesen la carte de libertad, y ellos en un gesto que no hace más que honrarles nos la dieron sin problemas y todos tan contentos y tan amigos.

Volvemos a ese periodo entre un disco y otro del que hablábamos, ¿cómo habéis enfocado el proceso de composición de este nuevo trabajo?

Nuestros procesos de composición suelen ser bastante lentos porque a diferencia de otras bandas en las que hay claramente una persona creativa que dirige al resto, en Templeton somos un grupo muy democrático, y encima somos seis. Así se hacen las cosas muy despacito porque todo el mundo tiene una opinión, y tiene derecho a expresarla y que se le respete. Hasta que no sale todo el mundo contento no se sigue. Además en este disco hemos decidido que las cosas fuesen muy poquito a poco y hasta que no estuviéramos todos muy contentos con cada canción no lo grabábamos. Hicimos muchas maquetas en nuestro estudio de lo que ibamos a grabar con Paco Loco, y lo llevábamos bien medido para que quedase poco a la improvisación en el estudio.

Ya que lo nombras, Exposición Universal lo grabasteis con Hans Krüger en los estudios Subiza, mientras que para El Murmullo habéis contado con la producción de Paco Loco, aunque no habéis dejado muy lejos a Hans ¿cómo ha sido el proceso con Paco y qué tal funcionar con dos grandes?

A Hans le llamamos el loco de Subiza así que ha sido todo muy divertido. Nos fuimos con él porque además de habernos grabado el primer disco, somos muy amigos. Nos apetecía mucho grabar con Paco porque somos muy fans de lo que hace pero no queríamos dejar de lado completamente a Hans, por eso le invitamos a venirse con nosotros y él encantado porque así podría aprender cosas de Paco.  

Parece una entrevista de comparación de un trabajo con otro pero es porque hay diferencias importantes entre los dos, para empezar en el sonido porque en vuestro anterior trabajo había más unidad entre los temas, aunque sí que se diferenciaban lentas de rápida, por decirlo simplemente. Sin embargo en este, después de unas escuchas me parece que hay más disparidad. ¿Es así? ¿Es una variedad pretendida?

Nos lo han dicho más veces eso de que el primer disco parece más homogéneo pero a nosotros nos lo parece más el nuevo. Quizás sí que el primero tiene un sonido más indie general, y este puede que beba de diferentes fuentes, aunque en general el sentimiento del disco y la unidad de lo que quieres decir está más presente en este segundo. Con el primero ten en cuenta que cuando grabamos las canciones del primer disco no teníamos pensado que fueran a serlo, fuimos grabando temas poco a poco y al final Subterfuge decidió que quería sacarlas todas en un disco y simplemente nos pidió un nombre. Por eso yo creo que en el fondo no están tan unidas, pero esté si está pensado como disco desde el principio, y todas las canciones hablan de cosas muy parecidas. Eso sí, la opinión de quién lo escucha siempre es un misterio y en eso no nos podemos meter.  

Bueno en esa no hemos acertado mucho, a ver que tal con esta otra opinión sobre vuestro "nuevo" sonido, ¿hay más protagonismo vocal en este último trabajo?

Sí, sin duda. Era una de las cosas que teníamos claras en cuanto al sonido del disco y es que las voces estuvieran más arriba. En el primer disco las voces tienen ese vicio tan del indie de enterrarlas mucho en la música, y después de escucharlo muchas veces nos dimos cuenta de que eso no nos gustaba mucho. Además nosotros le damos mucha importancia a los coros y a las melodías vocales, algo que era una de nuestras señas de identidad y teníamos que potenciarla. Así que decidimos que en todas las canciones de este disco la voz estuviera clara. 

Pasamos de la música a lo visual y te pregunto por el diseño de la portada ¿De quién es el diseño y cómo surge la idea de las ilustraciones?

Lo bonito de la portada, a parte de que en sí está muy bien, es todo lo que hay detrás. Antes de sacar el disco, como dos meses antes hicimos una especie de convocatoria para la gente que nos sigue y amigos, para que dibujaran cosas que se les vinieran a la cabeza con la palabra murmullo. Recibimos como 200 dibujos y Álvaro, que además de nuestro cantante es ilustrador, se encargó de hacer este collage. Estamos muy contentos tanto del resultado estético como del significado porque toda la gente a la que le gusta Templeton tuvo la oportunidad de participar y hay un poquito de todos en la portada.

El video del primer single de este disco "Los días" lo ha dirigido Milton Mahan y Bernardo Quesney, que también ha grabado el video de “Dime qué vas a hacer” de Reina Republicana, y se ha grabado en Chile ¿dónde surge esa unión de Templeton con Chile?

Por amigos en común y porque no sabíamos muy bien qué hacer con el video porque el del single del disco anterior que fue "Las casas de verano e invierno" lo habíamos dirigido nosotros mismos y a pesar de que nos quedamos muy contentos con el resultado fue una matada y nos quedamos estresadísimos. Esta vez, a parte de que no teníamos tanto tiempo, nos hacía gracia que alguien de fuera del grupo tomara las riendas de la creatividad y nos saliese con algo que nosotros no esperábamos. De hecho fue completamente así, nunca se nos habría ocurrido hacer un videoclip como el que nos hicieron estos chicos. Cualquiera que lo vea le sorprenderá seguramente. 

Templeton estarán en concierto este viernes 25 de mayo en el bar Singular a partir de las 23:00h. Más info aquí

Capítulo 47: Spain

El tema del Rayuela de esta semana no es ni mucho menos un ejercicio de patriotismo, de hecho si nos habéis seguido un poco sabréis que estos temas a nosotros nos repelen. Esta semana hemos intentado más bien hacer una búsqueda de optimismo en el extranjero. Ahora que la imagen de España en el exterior (y de puertas adentro) es pésima: rescate de bancos, paro desorbitado, prima de riesgo disparada, recortes en una educación ya de por sí escasa, y podríamos seguir hasta hartarnos. Esa es la realidad y la imagen que damos pero nos hemos preguntado, ¿es también la imagen que se recoge?. Hemos rebuscado entre canciones de bandas extranjeras referencias a nuestro país para intentar adivinar la visión que el resto del mundo tiene de nosotros.

Los elementos del estudio:

::Twin Sister – Spain
::The Tallest Man On Earth – King of Spain
::I'm From Barcelona – Always Spring
::Of Montreal – Spanish Dance Troupe
::Templeton – Miércoles Capítulo
::Foals – Spanish Sahara
::The Clash – Spanish Bombs
::Elvis Presley – Never Been To Spain

Templeton no están en esa lista por su impronta patriótica precisamente. Como viene siendo habitual son nuestro concierto recomendado de esta semana y eso siempre viene acompañado por entrevista. A parte de eso, motivos no nos faltaban, podríamos decir que teníamos unos diez, tantos como canciones tiene "El Murmullo". Puedes escuchar leer y escuchar la entrevista en el post anterior. 

La sección de Iñaki Llarena sobre el Spanish Castle Magic de Jimi Hendrix:

::The Jimi Hendrix Experience – Spanish Castle Magic

No habla directamente de España pero es un lugar suficientemente especial como para hablar unos minutos de él. Ese local a la afueras de Seatlle era lugar de concurrencia de los principales músicos de finales de los 50 y principios de los 60, y allí se crió un Jimi Hendrix adolescente. Esas experiencias le valieron para componer este tema que estaba en su segundo disco "Axis: Bold as Love" (1968) y que supone la ruptura definitiva con la tendencia blues más tradicional para abrazar el rock moderno. 1967, el año de grabación de este disco, lo sitúa en un momento de transición entre el mono y el stereo, pero además de ese avance técnico, hay que citar la figura de Eddie Kramer.

El podcast de Rayuela #47

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Entrevista a PLV Havoc

Penny Lancaster, además de una señora bastante vulgar y mujer de Rod Stewart, es fotógrafa. Nunca hemos visto una foto realizada por ella así que esa no es la razón de que centre la introducción de esta entrevista. Lo importante de "Penny Lancaster" es que a parte de todo esto es el título del último disco de PLV Havoc que se publicó en noviembre de 2011.

Las cosas cambiaron bastante para Pedro Gracia Pérez Viñaspre gracias a su primer disco "The Shape of your Heart" (2009), y las consecuencias se han visto en su actual trabajo: la publicación ha corrido a cargo de Insamuel Records/Warner, y su formato ha crecido de uno a cuatro con la incorporación de una banda tomada prestada de Athom Rumba (Joseba Irazoki), We Are Standard (Jaime Nieto), y Lobo Eléctrico (Guanche).

Hemos hablado con Pedro sobre este trabajo en el que ha abandonado el folk y la americana para apostar por la canción de autor más detallista

La primera pregunta es casi obligada pero hay que hacerla, ¿de dónde viene el nombre PLV Havoc?

Lo he dicho tantas veces que intento ser original cada vez. No tiene mucho misterio, al cantar en inglés quería algo que pareciera un apellido y que no fuera difícil de pronunciar. Un día viendo la CBS hablaban sobre un tsunami y havoc es algo así como lo que ha dejado a su paso, como estrago o ruina. Tenía un componente dramático que creo que va acorde con mi música. Lo de las inciales, supongo que las añadí por influencia inconsciente de PJ Harvey. Lo mejor de todo será cuando me dejen de preguntar esto.

Ya que te ha encantado esta primera pregunta sobre nombres vamos con la segunda en la misma linea. ¿En qué momento entra Penny Lancaster, esposa de Rod Stewart, a formar parte de este proyecto dándole nombre?

Hace poco estaban emitiendo Los Conciertos de Radio 3 que grabamos y en la introducción Virginia Díaz decía algo así como que la canción era un homenaje a Penny Lancaster, que además de la mujer de Rod Stewart es fotógrafa. La verdad es que yo no tenía ni idea de quién era Penny Lancaster cuando escuche el nombre la primera vez no recuerdo dónde. Simplemente me encantó, me pareció evocador y femenino, y se me quedó en la cabeza. A partir de ahí inventé la vida imaginaria de esa persona y un día le hice una canción de desamor que, al fin y al cabo, habla más de mí que de ella. En el fondo Penny Lancaster es un juego o una excusa para hacer una canción.

Esta canción que comparte nombre con el disco, ¿podríamos decir que sintetiza su esencia?

El disco anterior era muy minimalista y lo-fi, con pocos arreglos, incluso podría decir agreste. Ese me colocó en un lugar privilegiado que me supuso fichar con Warner. Con este nuevo disco mi idea era hacer todo lo contrario, no solo en sonido si no en la forma de afrontar mi carrera. He querido abandonar el sonido americana y country para ahondar en mi estilo propio y en lo que quiero hacer, que en el fondo es música de autor. "Penny Lancaster" es una canción que coquetea con otros sonidos como el indie y el  pop, como una carta de presentación de la libertad que quiero para mi propio sonido. Es quizás una pérdida de rumbo estilístico pero en el fondo es lo que quiero: no ponerme barreras ni encorsetarme. No pretendo hacer lo que hacen los americanos porque no lo haría tan bien. 

Hablando de los estilos y de ponerse barreras y etiquetas. Con tu anterior trabajo "The shape of your heart", tú mismo has hablado de su estilo minimalista y acústico, te proporcionó una imagen de cantautor folk que tengo entendido que no te agrada demasiado. ¿Haber incorporado una banda a la grabación y directo de este "Penny Lancaster" te ayuda a deshacerte de esa imagen?

Es extraño, porque aunque el disco lleva ya tiempo y crees que has roto alguna barrera, de repente te encuentras con algún artículo que habla del artista dylaniano, y dices o no han escuchado el disco, o nunca han escuchado a Dylan. Muchas veces un tipo con una guitarra y una armónica es folk y se acabó. En cualquier caso sí es cierto que con este nuevo sonido y al componer la banda se han roto barreras en ese sentido, por lo menos la barrera visual del formato.  

En cuanto a la formación de la banda, es diferente la del disco de la del directo. El disco lo he grabado con Rubén Caballero, mi productor y mano derecha en quien confío plenamente. Al terminar él tenía que ir a grabar el disco de Mikel Erentxun y no podía venir conmigo así que un poco de forma apresurada tuve que formar otra banda de la que hoy estoy muy orgulloso. En ella están Joseba Irazoki de Athom Rumba, Jaime Nieto de We are Standard, y Guanche de Lobo Electrico. He conseguido lo que quería: que cada uno, siendo de su padre y de su madre, formemos una familia huerfana en la que cada uno aporta cosas que hace que las canciones te lleven a otros sitios distintos a los que podría llegar yo solo.

A pesar de la importancia de la banda ¿podría ser que estas canciones de Penny Lancaster se pudieran tocar en formato acústico y solitario con PLV Havoc?

Por supuesto, de hecho yo no hago canciones para banda o no banda. Uno hace canciones y luego las viste o desviste, pero todas nacen del mismo manantial. De hecho creo que las canciones suenan tan bien cuando las toco en solitario porque de algún modo esos temas vuelven al redil, a su origen, a su padre. Las redescubro y las vuelvo a mimar. De hecho esta gira de promo con la que estoy ahora la hago en solitario, o incluso a duo con Joseba Irazoki.

Aparte de con banda o en formato acústico, también has conocido modalidades varias de conciertos: has estado en el Sonorama, en Ebrovisión, conoces escenarios grandes, salas pequeñas, ¿con cuál te quedas?

Uno lo que quiere es que le presten atención, aunque sí es cierto que las sensaciones son diferentes en cada una de las opciones ya sea por formato o aforo. En solitario disfruto mucho porque las canciones las estiro, las meto en un cajón y las saco, juego con ellas y es muy divertido para mí. Vengo de ello y consigo cierta atmósfera mágica cuando las toco en solitario. Con la banda, como es absolutamente tremenda, cuando tocas con ellos la sensación también es increible. Al final lo que quieres es que haya cuanto más público posible escuchándote y que se lo pasen lo mejor que puedan. 

PLV Havoc estará tocando este viernes 18 en la sala El Bafle. Más info aquí 

Capítulo 46: Fotografía

Amamos la música y la radio, pero casi siempre intentamos ponerle imagen al sonido. No porque por sí mismo no hable lo suficiente, si no porque nada es completamente perfecto. La perfección la hemos encontrado en este capítulo 46 de la unión de música (sonido) y fotografía. Como siempre yendo un paso más allá y alejándonos del mero proceso químico o digital de captar la luz y fijar la imagen, para tocar el fondo sentimental. En este capítulo nos quedamos con la parte sentimental del proceso, la que pone en marcha el mecanismo de captación de momentos y preservación de instantes en el tiempo. 

La melancolía que encierran las fotos suena así:

::The Cure – Pictures Of You
::Allo, Darlin' – The Polaroid Song
::Aaron Thomas – Saw Your Photo
::PLV Havoc – Penny Lancaster
::Camera Obscura – French Navy
::Ola Podrida – photo booth
::Hidrogenesse – Captcha Cha-Cha
::El Señor Ramón – GERNIKA
::Patsy Cline – She's Got You

La sección de Iñaki Llarena sobre el Parallel Lines (1978) de Blondie:

::Blondie – Picture This

::Blondie – Hanging On the Telephone

::Blondie – One Way or Another

Nueva York, 1978 - Conversación telefónica:

-Terry Ellis: Tengo un grupo, Blondie, no sé si habrás escuchado algo de ellos ¿Crees que puedes convertirlos en superestrellas del pop?

-Mark Chapman: Evidentemente

Y así nació Parallel Lines, el tercer disco de Blondie y desde luego su más exitoso. Terry Ellis llevaba tiempo como manager y de la banda y necesitaba lanzarlos definitivamente al estrellato, y Mark Chapman sabía de eso porque suyo el era el mérito del My Sharona de The Knack, aunque en realidad no fue así de fácil. Cuando llegaron a los Record Plant Studios para empezar la grabación, Chapman se dio de bruces con la realidad: eran malísimos músicos, no se llevaban bien entre ellos, y buscaban el éxito fácil con el menor esfuerzo. La solución fue dictatorial para el grupo en general, y terapeutica para Debbie Harry, que tenían problemas de autoestima para cantar con la presencia en el estudio de la ex-Ronette, Ronnie Spector. De su paciencia salió el mejor disco de la banda con el que vendieron más de 20 millones de discos. 

En esta ocasión la canción que acompaña a la entrevista no tiene nada de intrusa porque, de forma involuntaria, nuestro invitado tenía mucho en común con el tema del programa. Como pretendemos hacer habitual desde más o menos el comienzo la entrevista de la semana es para uno de los conciertos del fin de semana y esta vez le ha tocado al donostiarra PLV Havoc que el viernes estará en la Sala El Bafle junto a Morlans. Tenía que ver con la fotografía porque en ese bolo estará presentando su último trabajo Penny Lancaster, publicado en noviembre de 2011, que además de la esposa de Rod Stewart es fotógrafa de moda. Y así de bien ligada nos ha quedado la entrevista que puedes leer en el siguiente post.

El podcast de Rayuela #46

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Entrevista a LOS PILOTOS (Banin)

Hay vida después de Los Planetas. Erik es un prolífico batería, Jota tiene Grupo de Expertos Solynieve y Los Evangelistas, y desde hace un tiempo incorporamos un nombre más a la familia y un proyecto nuevo para Florent Muñoz y Banin Fraile, Los Pilotos. En un estilo muy diferente a lo que conocemos de ellos en Los Planetas, aunque apuntado ya desde Una Opera Egipcia, Banin y Florent llevaban tiempo experimentando con sintetizadores y música electrónica, y el resultado está en su primer disco homónimo de este nuevo proyecto.

Con la excusa de su próximo concierto este viernes en el Subsuelo, hemos hablado con Banin sobre esta vertiente electrónica.

¿En qué momento decidís uniros Florent y tu para llevar a cabo este proyecto de Los Pilotos, con un sonido que difiere mucho de lo que os hemos venido conociendo?

Es un poco por casualidad, como suelen salir estas cosas. A Florent le propusieron hacer un directo (como Florent y yo) en la antigua sala Ya'sta de Madrid, ahora Pop & Dance, aunque no sé si todavía continúa. Hacía como un año que nos veníamos enseñando cosas que veníamos haciendo cada uno en nuestras casas. Florent se acababa de comprar un Mac y estaba empezando a descubrir la informatica musical, y yo me pasaba por su casa y le enseñaba lo que iba haciendo de paso que le resolvía algunas dudas con ese tema.  A raíz de esa propuesta del Ya'sta, a Florent se le ocurrió que cogiéramos algunas de las cosas que teníamos hasta ese momento y creáramos unas bases para improvisar en directo, y ese fue el germen.  

Creo que aunque no hubiera existido esa oportunidad nos habríamos juntado igual porque ya teníamos la idea de hacer algo así desde hacía tiempo. Además, a mi me encanta la electrónica analógica y siempre que encuentro algún aparato interesante trato de comprarlo, y en ese tiempo me había comprado un Minimoog. Es un sinte clásico de la electrónica de los 70, que además de la fama tiene un sonido muy inspirador, y comprarlo entonces, junto con la historia que te he comentado, fue determinante para que se crearan Los Pilotos.

Y de ese germen a este disco, ¿cómo habéis trabajado en la composición? ¿Habéis mantenido lo de hacerlo cada uno por vuestra cuenta y ponerlo luego en común?

Los temas estaban creados individualmente pero nos fuimos al estudio un tiempo porque queríamos compensar esa forma de trabajo. Allí estuvimos como 3 meses porque  la idea era pasar mucho tiempo juntos para que surgieran esas situaciones que se generan cuando pasas ratos largos con alguien, es cuando se bromea y se comentan todas las cosas que te influyen: los libros, los comics, las películas o la música que estas escuchando. De esa unión fue de donde surgieron los temas del disco perfilados, digamos que sirvió para darles el último barniz. 

Muchas veces los proyectos paralelos sirven para dar salida a estilos que no tienen cabida en el grupo principal, ¿es el caso de Los Pilotos y Los Planetas, o nace como algo totalmente autónomo?

Lo que comentas es el tópico aunque en Los Planetas también pasa un poco así. En los últimos tiempos hemos abrazado la tradición flamenca, que como todo el mundo sabe ya, es algo más de Jota. El flamenco a Florent y a mí nos interesa como una música diferente y que nos plantea un reto por ser algo que no habríamos hecho motu proprio. Pero cada uno de Los Planetas escuchamos música muy diferente, excepto Erik que no escucha nada de música, y en el grupo confluye todo. Aún así, Los Pilotos también tienen su parte de autonomía porque es una música que creamos en casa y esa creatividad te da vida, te ilusiona y es lo que te hace seguir creando. Así que hay un poco de ambas: das rienda suelta a otras inquietudes, pero también es un proyecto con voluntad de continuidad y autonomía.

Es un trabajo paralelo pero, ¿cabe la posibilidad de que se convierta en tangente y veamos a Los Planetas tocados por la electrónica de Los Pilotos?

No tengo ni idea, eso el tiempo lo dirá. Habría que preguntárselo a la Bruja Lola (risas). Muchos hallazgos que hemos hecho individualmente en nuestra casa se han incorporado, como pasa por ejemplo en el último disco Una ópera egipcia, que está la sevillana "La veleta", y el último tema que coge unos textos del Corán. Tienen hallazgos de sonido y armonía que se han incorporado, así que lo que me preguntas en cierta forma ya ha pasado, pero no puedo decir si se hará en más volumen.

Prescindir totalmente de la voz en el disco ya es valiente pero en directo puede ser suicida. Empezasteis con un show con proyecciones y ahora las habéis abandonado, ¿cómo atraéis al público? ¿Una idea del directo que podremos ver el viernes?

En un principio queríamos que el tema de las visuales tuviera el mismo peso que la música, y que funcionaran a modo de letras transmitiendo eso que está oculto en las canciones. Al ser instrumentales son muy abstractas y es difícil que la gente entienda los temas o el qué nos inspira a la hora de hacerlas. Estuvimos trabajando con gente pero a la hora de la verdad sólo una se implicó en serio, así que al final no le sacamos el partido que queríamos y lo hemos dejado de lado. Nos ha resultado difícil encontrar videoartistas o creadores de 3D que estuvieran dispuestos a meterse en esta historia porque vienen de un entorno diferente a la precariedad del rock and roll, que va más con lo justo. Además, para nosotros es caro porque hay que llevar una infraestructura que exige un vehículo especial y nos cuesta mucho transportarlo. 

La idea de las proyecciones era captar la atención de la gente cuando íbamos Florent y yo solos, que nos poníamos uno a cada lado del escenario y no queríamos ser el centro de atención. Ahora lo intentamos compensar con una banda, hemos introducido un batería y estamos muy contentos, el directo se hace más divertido y más intenso. Tener a una persona con la que puedas saber cuando va a para o empezar hace los conciertos más dinámicos y genera una conexión entre nosotros como en un concierto tradicional. Pensamos en seguir esta línea e incorporar dos personas más para hacer una reproducción total de lo que aparece en el disco. Lo de la proyecciones lo retomaremos en algún momento en el que llevemos más tiempo en funcionamiento, tengamos más dinero, hagamos más directos y tengamos más facilidades de logística. 

¿Cómo se plantea el futuro de Los Pilotos, seguís creando material, podemos esperar en algún momento no demasiado lejano otro disco?

Nos encantaría sacar otro disco en breve porque tenemos muchísimas canciones. Tanto a Florent como a mi nos encanta pasar tiempo en casa y creemos que el tiempo mejor empleado es el que pasas en el estudio creando cosas que algunas llegan a buen puerto y otras no. Pensamos en volver pronto al estudio y cerrar otras diez canciones. 

Los Pilotos estarán este viernes 11 de Mayo en la Sala Subsuelo. Más info 

Capítulo 45: Bicicletas

Hablamos en su día sobre coches y no los queremos ni un poquito. En cambio la bicicleta...En Rayuela somos fans acérrimos del mejor medio de transporte, por lo menos para distancias cortas: no contamina, no gasta, desestresa, adelgaza, tonifica, se puede aparcar en cualquier parte y permite ser vehículo y peatón a deseo del piloto. Llegaríamos mucho más contentos al trabajo si el camino lo hiciéramos pedaleando en lugar de ir echando malos humos, ahí reside parte del secreto de Rayuela.

La música perfecta para un paseo en bicicleta sería esta:

::Bombay Bicycle Club – Shuffle

::The Magnetic Fields – The Luckiest Guy On The Lower East Side
::The Decemberists - Apology Song
::LOS PILOTOS – Caravana por el Desierto de Atacama
::Pegasvs – La Melodía del Afilador
::Bye Bye Bicycle – Kairo
::La Buena Vida - En bicicleta

La sección de Iñaki Llarena sobre el Tour de France de Kraftwerk:

::Kraftwerk – Tour De France

En 1983 otros aficionados a las bicis le hicieron un homenaje musical al ciclismo en un estilo Rayuela pero muchísimo mejor. Y siendo franceses ellos, Kraftwerk, no pudieron crear mejor tema que Tour de France. El single salió para preceder y publicitar el album Techno Pop que nunca llegó a publicarse. Para más conexión con el mundo ciclista, después de la publicación de este EP Ralf Hütter tuvo un accidente con la bicicleta que le impidió continuar con la grabación de Techno Pop y cumplir así con las fechas impuestas por EMI. Finalmente el disco editado fue Electric Café, que se reeditó en 2009 como Techno Pop, aunque el tema Tour de France no se incluyó en ninguno de los dos y quedó como un single aislado.

Entre las canciones sostenibles sobre biciclistas musicales se nos cuela la caravana por el desierto de Los Pilotos, el grupo paralelo de Banin Fraile y Florent Muñoz de Los Planetas. Este viernes 11 de mayo estarán tocando en el Subsuelo y esa nimiedad no ha servido de excusa para charlar con Banin sobre esta vertiente electrónica de una parte de Los Planetas. Como siempre, la entrevista transcrita en el post que esta encima de este (y que habrás tenido que ver ya).

El podcast de Rayuela #45

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Capítulo 44: Literatos

Los orígenes tiran, también a nosotros. Por que la literatura fue nuestro punto de inicio y ha estado presente en el programa desde el principio ya era hora de habláramos de libros en Rayuela. Con ese título cualquiera pensaría que hemos tardado 43 programas en hacerlo. Cuando dedicamos un programa al arte tocamos el tema por encima porque sabíamos que merecía su sitio especial y aquí está.

Una semana después del Día del Libro escribimos un nuevo capítulo de música sobre libros y escritores, que sonó así:

::The Clientele – Paul Verlaine
::The Cure – Killing An Arab
::Wild Nothing – Our Composition Book
::Alex Turner – Stuck on the puzzle
::Niño y pistola – Catch The Sun
::The Shins – Pressed In A Book
::Jorge Luis Borges – Borges y Yo
::Karen O And The Kids – All Is Love
::Laura Marling – Salinas
::The Divine Comedy – The Booklovers

La playlist de Iñaki Llarena sobre el 69 Love Songs de The Magnetic Fields:

::The Magnetic Fields – The Book Of Love

En 1999 The Magnetic Fields publicaron este 69 Love Songs como un experimento musical que ha terminado siendo una obra de arte. Un trabajo triple, más de 170 minutos de duración y esas 69 canciones sencillas y maravillosas sobre amor, en todos sus sentidos. El corte 12 del primer disco, The Book of Love, nos sirve como excusa para hilar con el programa y saber más sobre la grabación de este disco mítico. Un tema escogido a posta por ser representativo del estilo sin florituras de 69 Love Songs, basado en la voz de Merritt y escasos instrumentos, en este caso: guitarra, ukelele y su genial voz.

Además, 69 Love Songs tiene una conexión más con la literatura porque en 2006, LD Beghtol publicó "69 Love Songs. A field guide" sobre las sesiones de grabación del disco y explicación de las letras de las canciones, explicaciones de Merritt incluidas. Por su parte, The Magnetic Fields al completo se mezclan una vez más con los libros en "The Book of Love. 100 canciones" (Contra, 2012), la última publicación sobre la banda que intenta reivindicar el valor literario de las letras de Stephin Merritt.

El podcast de Rayuela #44

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(Spotify se moderniza y nosotros con ellos. Ahora las playlist completas embebidas en el post. Yeeha!)